Historia del arte resumida en periodos

 

 

Barroco

 

 

  • Contexto histórico-artístico:

    El Barroco es uno de los capítulos más importantes y amplios dentro de la Historia del Arte. El Barroco no sólo hay que entenderlo como un estilo artístico, sino también como una forma de vida.

    A fines del siglo XVI, y particularmente en Italia, el Renacimiento estaba agotándose y evolucionando hacia el Manierismo artificioso. Fue de nuevo el genio italiano el que apuntó hacia nuevas directrices. La Europa del siglo XVI terminó no con pocos problemas. La necesidad de cambio era inminente. Hay que recordar el fuerte golpe que aportó Lutero con sus tesis y lo que trajo consigo la Contrarreforma y su consumación en el Concilio de Trento. La Iglesia católica después de Trento, renuncia a las naciones protestantes, pero crea una gran disciplina dentro del catolicismo. La pintura y la escultura crean unas iconografías que ayudan a la iglesia a expresar su idea de verdad católica.

    El término Barroco se creó en el siglo XIX y deriva del vocablo berueco que significa "perla irregular". El Barroco al principio se tuvo como una etapa del arte puente entre el Renacimiento y el Neoclasicismo. Sin embargo, es mucho más que eso. El arte barroco, a diferencia del arte clásico en que primaba la razón, es un arte en que se exacerban los sentidos y la sensibilidad se pone al límite. Estos rasgos se continúan en el Rococó y se desbordan en el Romanticismo. Ya en el siglo XX, el Dadaísmo y la Abstracción corroboran el triunfo del sentimiento en detrimento de la razón de un modo definitivo.

  • Novedades del Barroco con respecto al Renacimiento:
  • Predominio del color sobre el dibujo: en el Renacimiento primaba la línea por encima de todo. En el Barroco se prefiere una pintura de mancha.
  • Claroscuro: en el Renacimiento se prefería una luz clara y limpia. En el Barroco la luz en juego con la sombra cobra una importancia hasta entonces desconocida. Las primeras aportaciones las trajo consigo el tenebrismo caravaggista.
  • Huida de la perspectiva lineal renacentista: en el Renacimiento había primado la perspectiva lineal o geométrica-euclidiana, para dar la sensación de profundidad, se procedía a la sucesión de planos. En el Barroco la sensación de profundidad puede obtenerse por diversos procedimientos:
    • Escorzos: consiste en representar a las figuras en actitudes no paralelas a los lados del lienzo o fresco.
    • Primer término a gran escala en contraste con el fondo
    • Luces y sombras
  • Composición asimétrica: en el Renacimiento la tendencia generalizada era colocar a la figura principal en el centro de la composición, y a partir de ella organizar la pintura en dos mitades simétricas. En el Barroco se prefiere el desequilibrio, así aparecen figuras cortadas como si continuaran fuera de la tela.
  • Movimiento: viene dado por el uso de escorzos, diagonales y ondulaciones.

 

 

Velázquez, Las Meninas, 1656-57, Óleo sobre lienzo, 3,18 x 2,76 m.
Velazquez, The maids of honour, 1656-57, Oil on canvas, 3,18 x 2,76 m.

 

 

ESPAÑOL

Este cuadro está considerado como una de las más grandes obras de la historia del arte, uno de sus secretos es el hacer algo relevante de una escena cotidiana. Velázquez, que fué llamado el pintor del "aire", refleja en él su propia jornada de trabajo: en el espejo de la pared trasera se reflejan el rey y la reina que es el tema de la pintura sobre la que está trabajando, la princesa mirando a sus padres, rodeada de sus ayudantes y al perro de la familia.
Aparecen en el cuadro el rey Felipe IV y la reina Mariana de Austria (reflejados en el espejo), La Infanta Margarita (en el centro) rodeada de Isabel Velasco y Agustina Sarmiento (las meninas), en la parte derecha del cuadro los enanos María Bárbola y Nicolás Pertusato, este último entreteniendose con el mastín situado a sus pies. Detrás de ellos están Marcela de Ulloa y un personaje no identificado. Al fondo, justo el el punto de perspectiva de la composición, aparece el aposentador de la Reina, el caballero Don José Nieto debajo del quicio de la puerta. Por último, casi en penumbra aparece el pintor trás de su lienzo.

 

rococò

 

 

  • Contexto histórico-artístico: Un arte para una sociedad.

    Son habituales las posturas que defienden que el Rococó es al Barroco lo que el Manierismo al Renacimiento. Muchas veces, el Rococó se entiende como culminación del Barroco. Sin embargo, es mucho más que eso. Debemos estender el Rococó como un estilo independiente y personal. El Rococó a diferencia del Barroco, se despreocupa por cuestiones católicas. Es un arte eminentemente aristocrático, un arte para la alta clase media, amante de un estilo mundano, íntimo y delicado. La sociedad ansía la libertad, el buen gusto y el placer. La élite artística e intelectual se reunía en salones a cuya cabeza estaban damas tan destacadas como madame Pompadur.

     El Rococó nace y se circunscribe al ámbito francés aunque luego, muchos de sus rasgos influyen en toda Europa. El movimiento se seguirá desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo que pretendía una vuelta a la pureza de la antigüedad clásica.
 
 

  • Origen del término Rococó

    Los vocablos que dieron origen al término son: rocaille (rocalla) y coquille (concha). La rocalla fue de gran importancia a la hora de ornamentar grandes lienzos de paredes e interiores. También se usó mucho la concha de formas irregulares y asimétricas. Así se genera un ritmo de curva y contracurva que se hará reconocible tanto en arquitectura, pintura, escultura o artes decorativas de este periodo.

  • Los temas más representados:

     Los temas preferidos para la representación en pintura son: fiestas galantes y campestres, damas, rigodones, minués y aventuras amorosas y cortesanas. Por todo esto, se recuperan personajes mitológicos como Venus y Amor que se entremezclan en las escenas representadas dotando a las composiciones de un tono de sensualidad, alegría y frescura.

     Es usual el referirse al estilo Rococó como estilo galante. El nombre proviene del verbo galer, que en francés significa ser valiente y hábil en el trato con las mujeres. El galante es aquel que sabe tratar y complacer a una mujer. La figura de la mujer es un foco inspirador de la pintura. La mujer es un figura bella y sensual, cada vez más culta. Ella seduce y participa en aventuras prohibidas. El escenario en que se ubica la trama pictórica ayuda a que la sociedad se identifique con personajes de historias pastoriles e idílicas.

     Por todas estas características, el Rococó se considera un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia, ajena a los problemas sociales y sólo concentrada en su descanso y deleite.
 
 

  • Representantes del Rococó:

 

 

 

 

   

 

J.H.Fragonard, El Columpio ó Los alegres riesgos del columpio, c.1767, Wallace Collection, Londres.
J.H. Fragonard, The Swing, , c.1767, 81 x 64 cm, Oil on canvas, Wallace Collection, London.

 

ESPAÑOL

     Esta es una de las obras más representativas del arte rococó. La obra le fue encargada por el abad Claude Richard, su protector. Él ya le había dado las instrucciones: Desearía que pintara a la señora en un columpio empujado por un obispo, a mí de forma que pueda ver las piernas de ella o algo más si quiere alegrar el cuadro. Se sabe que el cuadro le fue encargado a otro pintor que no aceptó el realizarlo por considerarlo demasiado frívolo y picaresco.

La dama no tiene psicología, lo que importa es el ambiente. Los tonos empleados son de una extrema dulzura, la pincelada es muy suelta. Estos son rasgos que recuerdan inevitablemente a su maestro Boucher.
 

Neoclacisismo

         

Contexto social:
 

     La caída del Antiguo Régimen francés en la Revolución de 1789 era la consecuencia de la oposición de clases medias y populares a un sistema político-social que estaba dominado por la aristocracia. La burguesía ilustrada trata de tomar posiciones realizando una crítica del mundo corrupto. Desde el poder real se intentó una regeneración. Por eso, se empezó a atacar duramente el arte voluptuoso del Rococó y la frivolidad que éste traía consigo. Diderot propone un arte que vuelva a la serenidad del arte antiguo.
 
     Es comprensible la necesidad de un estilo severo en una Francia en la que el conflicto social y político era ya insostenible. El objetivo del arte era exaltar el bien cívico, la moral, la armonía familiar, en definitiva, el bien común. De ahí que la Roma republicana fuera un ejemplo a tener en cuenta. Los revolucionarios empeñados en suprimir cualquier vestigio del Antiguo Régimen ven en el Neoclásico la derrota de la aristocracia y sus salones. El Neoclasicismo se prolonga hasta el periodo napoleónico y el estilo imperio, el nuevo emperador necesitaba un arte de césares para expresar el universo a que aspiraba.
 
     El redescubrimiento de la Antigüedad Clásica vino potenciado por los importantes hallazgos arqueológicos. Herculano y Pompeya sepultadas por las cenizas del Vesubio salen a la luz en 1719 y 1748, respectivamente. A partir de aquí, se genera una ingente bibliografía arqueológica. Destaca Winckelmann y su obra Historia del Arte de la Antigüedad, Stuard escribe Antigüedades de Atenas y Lessing publica su Laocoonte.
 
     Van surgiendo las Academias, éstas subrayan el valor normativo de lo clásico, desprecian el Barroco y defienden el "Buen gusto". El agotamiento de las formas del Rococó genera una crisis estética que potencia la imitación de la Antigüedad Clásica que los arqueológos están redescubriendo. El centro del Neoclasicismo es Francia, pero su influencia se extiende a toda Europa y afecta a todas las formas artísticas.

  • J.L. David, Los lictores llevan a Bruto los cadáveres de sus hijos, 1789, óleo sobre tela, 3,23 x 4,22, París, Museo del Louvre.
  • ESPAÑOL
  • La pintura del Neoclasicismo tiene como tema principal la Antigüedad grecorromana. Se distingue por su pureza de líneas y por la búsqueda de una belleza puramente estatuaria. Los contornos son muy delineados y dibujísticos, los colores son pulidos y la pincelada es inapreciable. La luz es limpia. El escenario en que aparecen las figuras suele ser teatral. Aparecen arquitecturas solemnes que enmarcan la escena. En ésta aparecen figuras rígidas y estáticas en movimiento físico, pero de gran fuerza moral e interior. Los pliegues de las túnicas son múltiples y caen en cascada que parece esculpida al modo clásico. El momento fugaz se congela para hacerse eterno por medio de la plástica del arte.
  • Escrito por:
    Beatriz Aragonés Escobar.
  • Licenciada en Historia del Arte

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

romanticismo

 

 

 

 

 

 

 

E. Delacroix, La Libertad guiando al pueblo,1830,
óleo sobre lienzo, 260 x 325 cm, Museo del Louvre, París.

 

ESPAÑOL

 

Una obra política, histórica y nacional:

     El cuadro lo pintó Delacroix para conmemorar la revolución de 1830, que tuvo lugar los días 27, 28 y 29 de julio de este mismo año en Francia. Resalta la figura femenina semidesnuda que porta la bandera francesa, es la representación alegórica de Francia. En este caso, Delacroix ha procedido a una depuración de elementos poéticos y románticos para concentrarse en la realidad. Los muertos y los vivos se nos vienen encima. El espectador sólo tiene dos posibidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella. El pueblo es la unión de clases: se representa al burgués con su sombrero de copa y empuñando el fusil, al lado un desharrapado y un herido que pide clemencia a Francia. A todos les hermana una cosa, la libertad. Al fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante realista . Es evidente el modo en que la Revolución Francesa había calado en las conciencias. Esta es una obra maestra del Romanticismo francés que sólo podremos entender si escuchamos de fondo la Marsellesa.

Escrito por:
Beatriz Aragonés Escobar.
Licenciada en Historia del Arte

 

 

 

 

 

 

 

 

Libertad en el arte, libertad en la sociedad; ahí está el doble objetivo.

Víctor Hugo en el prólogo de Hernani.

     Hasta el momento presente el objetivo del arte ha sido la belleza, pero ésta es sólo una pequeña parte de lo que el hombre puede imitar.

Lessing en el Laoconte.

 

  • Características del arte romántico.

    Si en la Ilustración brillaba la luz, en el Romanticismo nos abruman las tinieblas. Bajo el nombre de "Romanticismo" se esconde un grito desgarrador de libertad. Después de la caída de Napoleón, el Romanticismo, es una vía de escape para las jóvenes generaciones que aspiran a encarnar los principios revolucionarios.

     El Romanticismo puede entenderse como la "primera vanguardia en la Historia del Arte", se inaugura la entrada en una nueva época, la nuestra:

  • El arte deja de regirse por la doctrina del Clasicismo.
  • El objetivo principal del arte no es la belleza, sino la expresión y sentimientos que pueden abrir horizontes mucho más amplios.
  • Emerge un deseo de que aparezca lo nuevo, insólito, oculto, reprimido, en una palabra, lo sublime, lo que está más allá del límite. Esta ansiedad provoca mucho más placer estético que la belleza.
  • Prima la subjetividad en detrimento de lo objetivo. Por medio del arte se intenta expresar el mundo interior del artista, aunque para ello haya que recurrir a mundos oscuros, penumbras o sueños.
  • Cobra importancia el tema de la magnitud. Se siente el mundo como algo inabarcable a lo que el hombre es incapaz de llegar. Esto genera un sentimiento de inferioridad y una angustia ante las fuerzas incontrolables de la Naturaleza.
  • Impera la Historia Nacional. En el Romanticismo se alza el orgullo de las lenguas locales, las raíces profundas de los pueblos natales. Se buscan los orígenes remotos de lo primigenio.
  • Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización, feudalismo y por lo general, todo aquello que rechazaba el racionalismo ilustrado.
  • Hay un vivencia profunda de la religión.
  • Se impone el gusto por lo exótico. Se valora lo distinto, de ahí que la mirada se fije profundamente en mundos orientales.
  • Los representantes en los distintos ámbitos de Europa:

 

 

 

 

 

   

La pintura es una parte de la conciencia social, un fragmento del espejo en el cual las generaciones se contemplan una y otra vez, y como tal, debe seguir a la sociedad paso a paso.

Castagnary.

     Il faut porter le trivial au niveau du sublime.

 

J.F. Millet

 
 ROMANTICISMO

  • Contexto histórico-social:

    Hacia las décadas centrales del siglo XIX el Romanticismo irá cediendo paso al Realismo. Al cambio contribuyen varios fenómenos:

  • En las conciencias se cierne el peso y las terribles consecuencias de la Revolución Industrial:
     
    • Trabajo de niños y mujeres
    • Horarios excesivos.
    • Condiciones de vida penosas.
    • Viviendas insalubres.

 

  • Los fracasos revolucionarios del 1848 se dejan sentir.
  • Se abole todo atisbo de idealismo.
  • Abunda la temática social.
  • Se tiende a representar al hombre en sus quehaceres cotidianos.
  • El tema de la fatiga se convierte en tema principal.

     Todos estos rasgos se reflejan en la pintura, literatura como la de Dickens o Zola. A todo ello contribuye un marcado positivismo filosófico que considera como fuentes únicas de conocimiento la observación y la experimentación.
 
 

  • Representantes significativos:

 

 

El camino

 

 

  • Breve historia:

    Hasta la segunda mitad del siglo XVIII el estilo que primó fue el Clasicismo. A partir de este momento se dará un giro radical en la Historia de la Pintura. Lo habitual era el que los artistas expusieran en el Salón Oficial. Los nuevos artistas (conocidos como "Los Rechazados") por el contrario, tenían que buscar otros lugares alternativos que les permitieran exhibir sus obras. Así, la primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de abril de 1874, en el Salón del fotógrafo Nadar. Se presentaron bajo el nombre de "Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores". Intervinieron entre otros artistas de la talla de Monet, Pissarro, Renoir, Sisley, o Cézanne.
    A partir de este momento las exposiciones se irán sucediendo progresivamente en el tiempo y con sedes diferentes. Al esplendor del estilo le sucederá el declive, ya que se verá desbordado por la aparición de otras preocupaciones y presupuestos diferentes. Así surgirán varios estilos diferentes que se engloban bajo el nombre genérico de "Neoimpresionismo".

  • Origen del término "Impresionismo":

    Los pintores impresionistas no se definían a ellos mismos bajo este apelativo. El término les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy, al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente pintada en 1872 y expuesta en la exposición del 74. Al día siguiente de ésta, parafraseando el título del cuadro para burlarse de él, Leroy bautizó el nuevo movimiento: Al contemplar la obra pensé que mis anteojos estaban sucios, ¿qué representa esta tela?..., el cuadro no tenía derecho ni revés ..., ¡Impresión!, desde luego produce impresión..., el papel pintado en estado embrionario está más hecho que esta marina. Así fue como el término "Impresionismo" pasó a ser el nombre del movimiento del que luego el propio Leroy se envanecería.
    Provocaron un gran escándalo, proceso similar al que experimentó Manet. El refinado publico del momento no estaba preparado para aceptar una revolución como la que ellos proponían. Las burlas y duras críticas a que fueron sometidos les llevarían a posteriori al éxito. Su máximo reconocimiento se afianza ya entrado el siglo XX.

  • Cambios y características:

    El objetivo principal es sustituir el ideal dominante de "Belleza" por el nuevo de "Libertad". Para entender este paso hay que indagar en el contexto historico-social:

  • Impacto del ferrocarril: Por vez primera se experimentó el concepto de "velocidad". La retina captaba así una "realidad distorsionada".
  • Impacto de la fotografía: La fotografía demostró que lo que determina la visión es el color y no el dibujo, con ello se rompen planteamientos clasicistas anteriores. La fotografía trajo consigo el concepto de la instantánea, que será tan utilizado por Degas para sus composiciones de bailarinas.

 

  • Impacto del óleo en tubo: se generaliza a mitad del XIX. Trae consigo una consecuencia muy revolucionaria, ya que el artista no tiene porque elaborar cuidadosamente los pigmentos, de ahí que el pintor salga del taller para pintar al aire libre.

 

  • Impacto de la Naturaleza y de la Luz: el estar al aire libre revela una nueva realidad, una realidad llena de luz, gracias a cuya proyección es posible el color.

 

  • Impacto del Tiempo: es la era de los relojes, el tiempo es un tema que obsesiona al hombre y en particular al pintor. La técnica de los nuevos pintores necesita de una pincelada rápida y hábil.

     Estos cambios hacen que el Impresionismo tenga unas características concretas:

  • El paisaje como tema principal:
         Es uno de los géneros más fructíferos. El paisaje ofrece un campo donde todos los interes de los impresionistas se ven concentrados: el aire libre, el contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación del agua de la nieve y el hielo. Se aman las superficies en que los reflejos y los matices cromático-lumínicos se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos frecuente, y si lo hace es rodeada de paisaje.(Ahora la figura es pretexto para representar el paisaje, mientras que en el Clasicismo había sido a la inversa). Ello no quiere decir que no haya escenas de interior cuyo máximo exponente es Degas, al que le preocupan temas como la danza o los caballos, ambos relacionados con la velocidad y la instantánea.
  • Técnica:
         Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más anclados a la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban directamente sus tubos sobre los lienzos. De la última etapa de Monet se dice que sus obras no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo. Muchas veces se apunta a Goya como un precedente para este tipo de pincelada.
  • Color:
         Es significativo el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo.
  • Ausencia de perspectiva:
         Los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva euclidiana que había regido el concepto de la pintura hasta entonces, es por ello que desaparece el "primitivo" punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina. Esto ya lo anticipó Manet con su Pífano.

 
 

  • Pintores impresionistas representativos:

 

 

  • En España:
    • Sorolla
    • Regoyos
    • Rusiñol
    • Casas

 

 

 

 

 

 

Atardecer

postimpresionismo

Neo impresionismo

 

 

 

Bajo el nombre de Neoimpresionismo o Postimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que responden a las inquietudes de los diferentes artistas. A éstos no hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la individualidad de sus planteamientos. A cada una de las personalidades hay que entenderla como tesela integrante del "mosaico neoimpresionista". Por ello emprenderemos un recorrido por los diferentes estilos y artistas que en él se dan.
 
 

  • Capítulos:

 

 

Escrito por:
Beatriz Aragonés Escobar.

 

 

  • Una múltiple interpretación:

    El término simbolista es complejo, ya que al hablar de él se origina una controversia para la que se han dado diferentes interpretaciones:

  • Hay quien enfoca el simbolismo como la manifestación de un movimiento del Romanticismo tardío. Entre los precedentes cabrían William Blake o Goya.
  • Hay quienes sostienen que nunca existió un estilo simbolista como tal.
  • Otros restringen el movimiento a una manifestación típica del Postimpresionismo.

En el caso español es aún mucho más difícil el designar a un autor como "simbolista", porque en él, pueden aglutinarse tendencias diferentes. Por ello, hemos considerado el Simbolismo como un estilo que se desvincula del Neoimpresionismo por los contenidos que aporta su pintura. Hemos elegido al caso francés por ser uno de los ejemplos más puros.
 
 simbolismo

  • Origen del término:

    La palabra "simbolista", procede del ámbito literario. El primero en usarlo es Jean Moreas en noviembre de 1886. Fue en la década de los 90 cuando el término se extrapola al campo del arte. Paul Nurier lo aplicó por primera vez a la pintura, él sostenía que la pintura debía ser ideísta, simbolista, sintetista, subjetiva y decorativa.
    Son pintores simbolistas: Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon, que participan de actitudes vitales e ideológicas heredadas de la tradición romántica. De ésta perviven temas como el subjetivismo, antirracionalismo y antipositivismo. Ellos aspiran a "vestir la idea de forma sensible". A través del objeto se transgrede a otro mundo, no se quedan en la mera apariencia del objeto sino que se llega a lo sobrenatural.

  • La filosofía de un cambio:

    Hacia 1885 en Europa se empieza a originar un gran cambio: se va creando un estado de decepción frente al positivismo y cientifismo imperante y se empiezan a valorar aspectos desdeñados. Se descubre una realidad más allá de lo empírico. A todo ello contribuyen filósofos y científicos:

  • Bergson: aboga por la intuición.

 

  • Freud :descubre la existencia de una parte irracional en lo humano.

 

  • Nietzsche: potencia la capacidad del individuo para romper con lo establecido. Concede un importante papel a la mujer.

 

  • Schopenhauer: representa la reacción contra el optimismo.
         Él defiende no el pintar el objeto en sí mismo, sino sólo para transcender a otros ámbitos a través de la intuición y la contemplación. Schopenhauer habla de que cuando intentamos recuperar momentos anteriores a nuestra existencia presente, nos ayudan los olores y los objetos, de ahí que el artista los recupere.

 
 

  • Contexto social:

    Lo que une a los artistas es el deseo de crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento. Rechazan lo que trae consigo la vida diaria: aglomeración, polución, actividad industrial..., odian la degradación y sienten frustración. Se busca en el pasado de la infancia aquello que no se encuentra en el presente. Esto genera una nostalgia de un mundo idílico, se buscan emociones primitivas, estados preconscientes, lo irracional... .
    También hay un sentimiento milenarista y una recuperación del sentimiento religioso (el positivismo, por el contrario elevó el cientifismo, y con ello el ateísmo). Aflora el interés por el cristianismo y por tradiciones diversas, religiones orientales, hermetismo, exoterismo... .
    Se configura el tema de la mujer fatal. Surge la unión entre el Eros y el Thanatos y subyace una nueva relación entre sexos.
    En líneas generales los simbolistas están más apegados a la tradición académica aunque pueden rechazar muchos de sus planteamientos. Se configura un nuevo sentido de la obra de arte a la que se concede carácter autónomo. Los simbolistas tienen en cuenta la función de poetas que habían conseguido el acercar la literatura a la música y habían liberado las palabras de su significado.
    No es la primera vez que el símbolo tiene importancia en la pintura, ya fue importante desde el Renacimiento y también en el Barroco, pero en aquellas épocas había un componente más alegórico que implicaba la existencia del establecimiento previo de un mundo de significados. En lo finisecular, el símbolo puede remitir a aspectos asumidos pero también tiene carácter intrínseco, cada símbolo tiene concreción en la aportación subjetiva del espectador y del pintor; no hay lectura unitaria, puede remitir cosas distintas en los individuos.

  • Pintores simbolistas:
  • P. Chavannes, Mujeres a orillas del mar, 1879, Musée d´Orsay, París.
  • ESPAÑOL
  • Las figuras son estables y se asientan sólidamente en el espacio. Se ha recuperado el contorno, y con ello lo escultórico. Se ambienta en paisaje que aporta luz rojiza que se identifica con la melancolía finisecular. A veces se ha entendido como metáfora de las tres actitudes humanas: la actitud activa, representada en la figura que se peina, la pasiva en la que nos mira y la contemplativa en la que está de espaldas. A primera vista es estable en composición, el eje está ligeramente descentrado, rompiendo el esquema clásico.
  • Escrito por:
    Beatriz Aragonés Escobar.
    Licenciada en Historia del Arte

 

Modernismo

 

  • Una primera aproximación:

    En la última década del siglo XIX y la primera del siglo XX comienza a sentirse un espíritu de renovación industrial. El Modernismo trae un componente vitalista de esperanza, se cree en que lo industrial contribuye al avance en lo material y espiritual. Es un movimiento de gran ámbito geográfico. El Modernismo transmite la idea de agilidad a través de líneas curvas, motivos inspirados en la naturaleza... .Estas tendencias serán llevadas a todos los ámbitos, incluso al metro, para que la gente se familiarice con el sentimiento.
    El Modernismo es un estilo internacional, una manifestación urbana y burguesa. La burguesía se abre y es cosmopolita. La moda se difunde en revistas ilustradas que proliferan por toda Europa. Se crea una necesidad de renovación y cambio. Se pretende crear un estilo nuevo, sin referencia a lo tradicional en tema ni en estilo.
    La primera manifestación del Modernismo es en el mobiliario y los objetos de uso. Tiene un fuerte componente ornamental. Se inspira en flora y fauna en proceso de estilización, pudiendo llegar así a casi la abstracción.
    Al hablar de decoración, ésta nunca se considera aditamento del objeto, sino que se liga íntimamente a la estructura del mismo. Se rechazan los esquemas simétricos en pro de lo ondulado, que recibe el nombre de Línea de latiguillo, que transmite vitalidad, fuerza, asimetría e irregularidad. Se intenta expresar un componente de optimismo, que corresponde al estado psicológico de la clase social. Se ha dicho que el Modernismo es nuevo, joven, floreal..., de ahí que reciba varios nombres Art Nouveau, Liberty Style... .
    Adquiere gran importancia el diseño y el deseo de integración de las artes. Aparece la figura del diseñador que también es decorador. Ello convierte a los edificios modernistas en obras muy atractivas.

  • Un precedente, William Morris y el movimiento del Arts and Crafts:
         William Morris es polifacético, ensayista, escritor, conferenciante, político, creador de empresas..., se le identifica con el socialismo, reivindica la postura del artesano, a la vez que se interesa por el diseño. En 1860 se casa y encargó su "Casa Roja", al amueblarla se encontró con una dificultad. En este momento, Inglaterra tenía alto nivel de industria que aniquila al artesanado, cuyos objetos eran de pésimo gusto comparados con los manufacturados. Morris impulsó a una industria de textiles, se rodea de arquitectos y diseñadores importantes. Así surge el Arts and Crafts, que rechaza la industria volviendo a lo artesanal, poco a poco se irá derivando hacia el Modernismo que lo que intenta es la renovación y mejora artesanal aplicándolo a la máquina.
  • Primeras manifestaciones:
         Donde antes se manifiesta esta tendencia es en las artes industriales. Destacan las sillas de respaldo de líneas sinuosas de MacDonald Murdo, textiles, tapices de Van de Velde, vidrios de Emile Gallé, Tiffany también es creador de importantes piezas de vidrio, también es creador de lámparas de cristalitos de colores con hilo de plomo inspirado en las vidrieras medievales.
    Otra manifestación importante es la joyería; destaca la de René Lalique. Es renovador de la joyería modernista que apuesta por la forma y originalidad del diseño y no por el valor en oro o de las piedras. Tiffany usó piedras semipreciosas y usó mucho el esmalte. Suelen ser joyas ampulosas para lucir en teatro. Sus obras en cristal se vendían en las tiendas de Samuel Bing e influyeron en el diseño y colorido del vidrio europeo. Tiffany se inspiró en el arte medieval irlandés. Sus primeros éxitos vienen a partir de la exposición de Chicago de 1893, donde destacó por su delicadeza cromática y la imaginación de sus formas.

 

  • Pricipales autores:

 

 

 

 

Arte siglo xx

  • Introducción:

    El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se denominan ismos. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico.

     Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX. El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el año en que Manet pinta Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón de los Rechazados. La obra poseía antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a temática, pero el modo de plantearlo causó escándalos.

     El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el punto de partida para las corrientes del siglo XX.

  • Los grandes adelantos de la técnica, la Revolución Industrial y el progreso moldearon la mentalidad del hombre a principios del siglo XX.
  • La primera y segunda guerra mundial, contribuyeron al cambio. Cada cual trajo sus nuevas tendencias.
  • Los filósofos aportan teorías reveladoras. Algunas vanguardias no pueden entenderse sin las bases filosóficas que las sustentaron.

 

     La modernidad que aportó el Modernismo a fines del siglo XIX no era lo suficientemente brusca. Más brusco fue el cambio de los dos primeros ismos del siglo XX, el Fauvismo y el Expresionismo.

     Hay una gran necesidad de cambio que ha dado como resultado corrientes diversas e incluso contradictorias; como la tendencia conceptual y la realista.
 

  • Capítulos:

Picasso: Les demoselles d'Avignon, 1907, Oil on canvas, Metropolitan Museum of Art, New York City .
Picasso: Las Señoritas de Avignon, 1907, Óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum of Art, New York City .

 

ESPAÑOL

      Aparecen en Picasso influencias de "artes clásicos y primitivos", griegos, africanos que se plasman en una nueva concepción de la estructura pictÓrica: "el Cubismo". Este es el primer ejemplo de este nuevo estilo que seguirían muchos otros artistas. La suavidad y delicadeza con que tradicionalmente se trataba el desnudo femenino se transforma bruscamente en planos y ángulos de una dureza no comprendida para los críticos de la época. Es sin duda el punto de partida para Picasso y otros muchos creadores que definirían este estilo cubista y lo llevarían a ser uno de los principales movimientos del arte del S. XX.
 
Pese a ser esta la teoría más extendida existen discrepancias sobre si en realidad es un cuadro cubista, pre-cubista o una representación pre-abstracta. También el tema produce polémicas, ya que en los dibujos previos aparecen personajes masculinos - un marinero y un estudiante - que desaparecen en el lienzo definitivo. Es posible que sea la evolución de un anterior cuadro de la "época rosa", "El Harén", y el tema sea una visión de un prostíbulo. En "El Harén" aparecen hombres y en "Les Demoiselles Dávignon" decide poner sólo mujeres "en un escaparate", haciendo que el espectador participe activemente en el cuadro y no sea un mero contemplador.
 
El primitivismo, antes mencionado, es evidente en los rostros de las dos mujeres de la izquierda del cuadro que referencian a la escultura "negra"; las dos centrales están influídas por el arte ibérico.
 

Psicología del arte

Psicología del arte, una de las tres ramas filosóficas de la psicología de la cultura -junto con la psicología de la literatura y de la música- que comprende pintura, grafismo, escultura y arquitectura. Por la fuerte orientación visual de las artes plásticas, la psicología de la cultura se ha convertido en un área de investigación muy aceptada dentro de la psicología de la Gestalt. La psicología de la cultura estudia aspectos de la psicología general, como la percepción de los colores y espacios.

Grafismo. (De grafo- e -ismo). Cada una de las particularidades de la letra de una persona, o el conjunto de todas ellas. Expresividad gráfica en lo que se dice o en cómo se dice.

 

 

La psicología del arte ha realizado estudios sobre las condiciones necesarias para la creación artística y sobre la aceptación y comprensión de las obras de arte en general. Para analizar los problemas o enfermedades mentales utiliza el estudio psicológico de la expresión artística, como, por ejemplo, las obras de artistas que sufren esquizofrenia.

Esquizofrenia. (Del gr. σχίζειν, escindir, y φρήν, inteligencia). Med. Grupo de enfermedades mentales correspondientes a la antigua demencia precoz, que se declaran hacia la pubertad y se caracterizan por una disociación específica de las funciones psíquicas, que conduce, en los casos graves, a una demencia incurable.

 

Las investigaciones de la psicología de la cultura se emplean también en la psicología del desarrollo para estudiar las posibilidades sociales, cognitivas y emocionales de los niños a través de su expresión plástica. Los dibujos infantiles se utilizan asimismo en terapias infantiles y juveniles, como, por ejemplo, en casos de abuso sexual.

También ha llevado a cabo estudios sobre la sensibilidad estética y los criterios de juicio estético a través de las características de la personalidad.

 

 

Estética

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Estética, rama de la filosofía (también denominada filosofía o teoría del arte) relacionada con la esencia y la percepción de la belleza y la fealdad. La estética se ocupa también de la cuestión de si estas cualidades están de manera objetiva presentes en las cosas, a las que pueden calificar, o si existen sólo en la mente del individuo; por lo tanto, su finalidad es mostrar si los objetos son percibidos de un modo particular (el modo estético) o si los objetos tienen, en sí mismos, cualidades específicas o estéticas. La estética también se plantea si existe diferencia entre lo bello y lo sublime elevado excelso.

La crítica y la psicología del arte, aunque disciplinas independientes, están relacionadas con la estética. La